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FICCIONES. Culpable, señoría, pero fue por amor.

May 21, 2024

Teatros del Canal. Sala Negra.

Mayo 2024.

"Mis compañeros de velada me preguntaron al salir por mi opinión ... Soy culpable, Señoría, pero fue por amor. "

Salí de los Teatros del Canal siendo incapaz de hacerme una idea clara. Hacía tiempo que no iba al teatro, aquejado como algunos de mis compañeros de viaje escénico de una parálisis de interés ante la sobreabundancia de propuestas de representación que se escudan en la filosofía y la gracieta a partes iguales para intentar tapar el enorme agujero que engulle a nuestro teatro español.

Mis compañeros de velada me preguntaron al salir por mi opinión. Pero fui incapaz de contestar. Indagué, como suelo hacer, en las causas, y me parecieron evidentes casi desde el principio. Fui a ver FICCIONES impulsado por el entusiasmo de Luisa y de Pablo. Y eso, de toda la noche, fue sin duda lo mejor. Decir lo que pienso de forma inmediata me pareció traicionar esa generosidad, y no lo hice. Soy culpable, Señoría, pero fue por amor.

"Mis compañeros de velada me preguntaron al salir por mi opinión ... Soy culpable, Señoría, pero fue por amor. "

"Hubo chistes muy buenos, algunas imitaciones brillantes, y mucha intensidad ... no creo que el teatro se haga solamente con chistakos, imitaciones, gestualidades desbocadas o mucha intensidad. "

Por otro lado se merecían una respuesta. No porque mi opinión sea especialmente importante, sino porque no contestar sería una grosería. Así que escojo el camino de en medio y plasmo mi opinión en diferido y donde solía hacerlo antes de los Tiempos del Aburrimiento: aquí.

La obra, como me pasó otras veces con otras obras, me aburrió durante la mayor parte del tiempo. Hubo, a ratos, chistes muy buenos, algunas imitaciones brillantes, y mucha intensidad. Lamentablemente, como saben todos los que me conocen, no creo que el teatro se haga solamente con chistakos, imitaciones, gestualidades desbocadas o mucha intensidad. No es que no me gusten, es que no es suficiente. Ni de lejos.

"En esta obra no hay cuerpo sólido, y por lo tanto ni deconstrucción ni diseminación ... Descubrir que se puede deshacer el sentido dejando entrar al caos es excitante, divertido, y puede que muy audaz, pero no es arte."

Empezemos por la obra. Antes de leer el dossier me había apostado conmigo mismo una cena (siempre gano y sigo engordando a base de ganarme apuestas) a que las palabras “diseminación” o “deconstrucción” aparecerían abundantemente. Y así es. Lamentablemente creo que los autores del dossier o no han leido a Derrida, o no lo han entendido. Seré breve (famosas últimas palabras): no puede haber diseminación del sentido si no hay previamente sentido. No se puede deconstruir nada, si no hay nada que deconstruir. Y no había nada. La deconstrucción que da lugar a esa diseminación, es una operación quirúrjica de precisión, y solo puede operar sobre un cuerpo aparentemente sólido. En esta obra no hay cuerpo sólido, y por lo tanto ni deconstrucción ni diseminación. En vez de eso, lo que hay es una corriente constante de ocurrencias - algunas brillantes -, puestas adrede en riguroso desorden, de forma que no se pone límite a nada. Y el resultado es tan abundante y tan “diseminado” que acaba habiendo poco de algo, y mucho de nada. Y la nada no es deconstruible. Y mucho menos interesante. El arte es límite en el caos; es creación de sentido; es dirección para las miradas curiosas. Se puede oponer una corriente de creación de sentido a otra, y se pueden crear nuevas corrientes oponiéndose a las anteriores. Descubrir que se puede deshacer el sentido dejando entrar al caos es excitante, divertido, y puede que muy audaz, pero no es arte.

"¿qué está pasando? Nada. ¿Es divertido? A ratos, mucho. ¿Es teatro? Hay opiniones ... Es escuela."

¿Qué aparece ante nuestros ojos de público? Una sucesión de gags, imitaciones, frases ingeniosas, gestualidades indeterminadas, con las cuales vamos pasando el rato. ¿qué está pasando? Nada. ¿Es divertido? A ratos, mucho. ¿Es teatro? Hay opiniones para todos los gustos. Para mi, por ejemplo, es más de lo mismo: intérpretes muy intensos, capaces de mucho riesgo, que se dedican a hacer juegos de escuela de interpretación, (juegos de impro, de imitación, etc) y de ofrecerlos como si fueran teatro. Como si hacer teatro consistiera en coger esos juegos que uno aprende en la escuela y, cuando ya los dominas bien, ponerlos juntos sobre el escenario con un título. Viendo la procedencia de los intérpretes, me parece lógico. Después de asistir a algún fin de curso de las escuelas madrileñas de moda, me parece coherente que al salir sigan haciendo lo que les han enseñado, y además lo premien. ¿Es teatro? Lo veo un poco limitado para decir que es teatro. Es escuela.

Intento explicar la diferencia con un ejemplo: La escena de los Panero fue uno de los grandes éxitos de Ficciones. Pero era una caricatura. Aparecían la impertinencia vital de Michi, o la locura de Leopoldo, pero nada más. Nada aparecía de ese “mejor escritor español sin obra”, ni de esa relación imposible de todos ellos con la palabra. De la tragedia de la condena a escribir para tapar un desastre vital, ni rastro. No había profundidad alguna. Eso sí, la imitación fue graciosísima. ¿Para qué? Aun no lo se. ¿Por qué salían los Panero? Aun no lo sé. Como ejercicio de las escuelas madrileñas de moda, impecable. Como teatro, inexistente. No se construyó un personaje. Se imitó para crear una caricatura. Graciosa, pero insoportablemente leve. ¿Carlos Latre es actor? No. Carlos Latre es un genio de la imitación. Me encanta ir a verle y reirme con ese don excepcional que tiene. Pero no crea personajes. Son cosas distintas.

"Ficciones será un éxito ... Tiene todos los ingredientes que hacen falta para triunfar hoy en España."

No hay que preocuparse. Ficciones será un éxito, y la compañía Exlímite ganará muchos premios. Tiene todos los ingredientes que hacen falta para triunfar hoy en España. Hacen puestas en escena rapidísimas en las cuales todo se sucede a velocidad de vértigo. Los intérpretes son muy talentosos, intensos y capaces de asumir muchos riesgos en escena. Pueden imitar mucho y muy bien, y hacer muchos chistes seguidos. Y todos provienen de escuelas que nunca dejarán de premiarse a sí mismas para que el bucle se cierre y sea perfecto. ¿Qué puede salir mal?

Por mi parte, sigo creyendo que un salón de bodas hay que crearlo en escena; que ponerlo allí, tal cual, no me lleva a él de forma inmediata (sigo pensando con los grandes maestros que ¿para qué quiero a los actores si ya puedo construir el salón de palos y telas?, y total, si los puedo imitar exactamente iguales a la realidad de la vida, ¿para qué quiero hacer teatro?). Sigo creyendo que la intensidad, el riesgo y la imaginación son prerrequisitos para hacer teatro - y los intérpretes de ficciones iban sobrados -, pero no se hace teatro solo con eso. Un pintor tiene que tener intuición espacial, buen pulso, una mirada armónica, pero eso no es pintar. Pintar es una técnica que requiere de esos prerrequisitos, y además requiere aprender el manejo de los instrumentos, es decir, la técnica. Y hacer un buen cuadro requiere de todo lo anterior y además de trascenderlo. Al teatro le pasa lo mismo. Además de saber hacer juegos de escuela, hay que interpretar. Sigo pensando que para deconstruir una obra, primero hay que tener obra.

Tal vez toda la confusión venga del hecho de que en español "actuar" es tanto "interpretar" como lo que hace cualquier persona que se sube a un escenario y presenta algo ante un público. Un mago actúa, un mimo actúa, un cómico actúa, un intérprete actúa. Pero no todos hacen teatro.

Yo tengo dos amigos, Luisa y Pablo, que me llevaron al teatro a ver y oir teatro, y no puedo estar más agradecido independientemente de lo que vi y oí. Culpable, Señoría, pero fue por amor.

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Mi nombre es Lucía Joyce.

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Crítica Teatral | Mi nombre es Lucía Joyce | De la mujer o la locura. (elmonoinfinito.es)

La Batalla de los Ausentes

Dirección de Paco de la Zaranda

Teatro Español

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FALSESTUFF, La muerte de las musas

De Albet y Borras

CDN

Crítica | FALSESTUFF | La copia de la copia (elmonoinfinito.es)

Links:

Página Web de la sala:

Teatros del Canal

Ficha de la obra:

Ficciones

LA BATALLA DE LOS AUSENTES | Y por fin, la poética.

Feb 24, 2022

Updated: Mar 5, 2022

Teatro Español, Plaza de Santa Ana. Hasta el 20 de marzo de 2022.

Madrid.

De: Eusebio Calonge.

Con: Gaspar Campuzano, Enrique Bustos, Francisco Sánchez.

Dirección: Paco de La Zaranda

"Si sigo ese impulso, lo único que tendría que decir es: vayan a ver La batalla de los ausentes, de La Zaranda - Teatro inestable de ninguna parte. Está en el Teatro Español, en la Plaza de Santa Ana, Madrid. En cartel hasta el 20 de marzo. "

Cuanto mejor es la obra que voy a ver, menos siento que sea necesario escribir sobre ella.

Si sigo ese impulso, lo único que tendría que decir es: vayan a ver La batalla de los ausentes, de La Zaranda - Teatro inestable de ninguna parte. Está en el Teatro Español, en la Plaza de Santa Ana, Madrid. En cartel hasta el 20 de marzo. Es el mejor consejo que puedo darles hoy y probablemente también el mejor que les pueda dar este año.

Pero no escribo sólo por necesidad. La escritura también sirve para otras cosas. Por ejemplo para dar consistencia a lo vivido, recrearlo y disfrutarlo de nuevo, aunque escribirlo nunca vuelva a ser lo mismo que vivirlo. Escribir es asumir esa pérdida con la esperanza de que esta vez la escritura supere en vivencia a la realidad. Y por eso, para revivir la representación que tanto disfruté, escribo.

La gesta de La Zaranda es tanto mayor cuanto más difícil es el reto que en mi imaginación se propone. Aunque hay muchas más, por una cuestión de espacio y de mesura menciono tan sólo tres contiendas dramáticas que contemplé en La batalla de los ausentes: Una, en el frente de la conquista del silencio. Otra, en el combate por crear una realidad distinta. Por último, la batalla final: generar una poética.

"representantes del arte olvidado, del teatro que siempre tiene en precario a quien más lo defiende, se dan a la tarea de no dejar caer en el olvido a los eternos olvidados."

Dar voz al silencio.

Uno de los propósitos explícitos de La Zaranda es dar voz a quien no la tiene. Es parte de un compromiso ético extrateatral. Es decir, es un compromiso personal con el mundo, lejos de clichés morales o políticos. Y este compromiso – asumido en La batalla de los ausentes - está personificado en unos veteranos de la guerra, (o debiera decir La Guerra porque son veteranos de todas las batallas imaginables). En mi cabeza resonaba en la lejanía the band played waltzing mathilda mientras el bravo soldado Schweijk se las ingeniaba para volver loco a todo y a todos. Y se produce el milagro sobre escena: representantes del arte olvidado, del teatro que siempre tiene en precario a quien más lo defiende, se dan a la tarea de no dejar caer en el olvido a los eternos olvidados. Que son los que pelean las batallas como carne de cañón, revelando una y otra vez lo inútil de la propia guerra, y el destino inexorable de quienes la pelean de verdad: el olvido. Me encantaría extenderme, porque disfruto muchísimo recordando la representación y dándole palabras que la fijan en mi piel, pero sólo debo decir esto: para saber algo más de la ausencia y de sus silencios, vean La Batalla de los Ausentes.

"Era verdad allí y en ese momento, una verdad distinta, fértil y desconocida. Era la verdad de la escena. Era Teatro."

Crear una realidad distinta.

un mundo actoral en el que la naturalidad rampante clama por sus conquistas mientras el dinerillo asoma por sus puños, exigiendo pleitesía a los intérpretes, La Zaranda busca alternativas. Decía antes que la gesta es mayor cuanto mayor es el reto. El reto era transitar por lugares que se van creando sobre la escena, en tiempo real, mientras personajes imposibles lo articulan. Obviamente en un extremo el peligro es que la verdad no aparezca. Obviamente es más fácil cuando no se pretende otra cosa que copiar la realidad periodística. Pero afortunadamente, lo obvio no es un asunto que ocupe a La Zaranda. Delante de nosotros apareció ese homenaje tan triste que no puede uno dejar de reír, ese submundo de guerras pasadas y presentes donde el enemigo es todo y todos, incluyendo los objetos que son una y otra vez una evolución del propio paisaje que van creando. Y ocurre el desplazamiento del imaginario guerrero, con su jerga y sus emblemas, hacia una guerra incruenta: la que muestra el absurdo de cualquier contienda.

Y era todo verdad. Pero no la verdad ramplona de lo conocido. Era verdad allí y en ese momento, una verdad distinta, fértil y desconocida. Era la verdad de la escena. Era Teatro. Me gusta pensar que crear esa verdad es la mejor forma de entender el tránsito – tan denostado por conveniencia - entre la utopía y la realidad. Y ese tránsito se está produciendo en La batalla de los ausentes. Vayan a verla para comprobar que la utopía es paradójicamente posible.

"La Zaranda, para los espectadores, es ante todo una Poética. "

Generar una poética.

Cualquier intento de definir “poética” está abocado al fracaso. Así es si por "definir" entendemos "agotar su sentido en un par de frases". Porque una poética es precisamente lo contrario de un saber definible, lo opuesto a un conocimiento pret a porter. Una poética es eso que rezuma una obra de arte que la hace irrepetible y completa. Es una forma de contar las cosas que no se puede contar. Es estilo propio, pero no sólo estilo propio. Es personalidad, pero no exclusivamente. Es lo que hace que una representación te envuelva y te meta en un mundo que ha cobrado verdad en escena y que da voz a lo que era mudo, y además lo hace de una forma irrepetible.

La poética de La Zaranda es rotunda y presente, y a la vez seductora. Es la parte visible para el público de lo que se quiere contar porque se debe contar. Es la aspiración de todo artista, y solo se obtiene a base de trabajo y experimentación y fe en una forma de hacer teatro. Y nunca está garantizada. Pera La Zaranda, en cada obra, la ofrece. La Zaranda, para los espectadores, es ante todo una Poética. Y de nuevo, para saber lo que es una poética sin necesidad de leer un tratado, vean La Batalla de los Ausentes.

"Y como he dicho antes, me fascina el proceso mediante el cual todas estas capacidades se combinan para dar lugar a algo que las supera más allá de toda dialéctica: la obra."

Aunque pueda parecer algo obsceno por lo que tiene de individualizante en una obra en la que lo individual se difumina, creo que es justo mencionar a esos otros ausentes que desaparecen ante la magnitud de lo creado: el trabajo de construcción de personajes que hicieron Gaspar Campuzano, Enrique Bustos y Francisco Sánchez fue minucioso y trabajado, con oficio y con pasión. La vuelta al formato original de La Zaranda me parece un acierto. El texto de Eusebio Calonge articula de forma magistral la obra, y deja los huecos precisos para que aparezca todo el teatro que hay en La Batalla de los Ausentes. Admiro la capacidad para llevarnos de un mundo a otro, y de hacer que - cuando parece que no hay más recorrido – siempre aparezca aún otro mundo más por descubrir. Me asombra esa habilidad para hacer que parezca fácil nunca perder el humor en medio de la profundidad de las pasiones humanas. Y como he dicho antes, me fascina el proceso mediante el cual todas estas capacidades se combinan para dar lugar a algo que las supera más allá de toda dialéctica: la obra.

"Calle entonces la palabra escrita, ese pharmakon sedante y engañoso, y aparezca lo ausente en toda su verdad. Vayan a ver La batalla de los ausentes."

Podría seguir indefinidamente porque ese goce inalcanzable de intentar recuperar en la escritura lo vivido me apasiona. Pero creo que a veces hay que callar para permitir que aparezca lo que debe aparecer. Calle entonces la palabra escrita, ese pharmakon sedante y engañoso, y aparezca lo ausente en toda su verdad. Vayan a ver La batalla de los ausentes.

Esta obra sigue en escena hasta el 20 de marzo de 2022. ¿Te gustaría verla?

Sigue el link para comprar entradas:

La batalla de los ausente, Teatro Español. (https://teatroespanol.shop.secutix.com/selection/event/date?productId=10228464361480)

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NOCHE DE REYES | La senda del Pirata.

Feb 4, 2022

Updated: Feb 5, 2022

Las Naves del Español, Sala Fernando Arrabal. Hasta el 6 de marzo de 2022.

Madrid.

Reparto: Haizea Baiges, Carmen del Valle, José Tomé, Rafa Castejón, Patxi Pérez, Sacha Tomé, Victoria Salvador, David Soto Giganto.

Dirección y versión: Helena Pimenta y Álvaro Tato.

"Shakespeare, como todo inglés de su época que se preciara, era un pirata – en este caso dramático. Y atreverse con él exige conocer bien el código de honor de la piratería, pero sobre todo exige saber sortear a los sheriffs del orden establecido.""

Hay que ser valiente para atreverse con Shakespeare. En ese camino, hecho para bucaneros y corsos, pueden detenerte todo tipo de alguaciles dramáticos: la lejanía en el tiempo de la obra original, las tramas imposibles, el lenguaje isabelino y no sé cuántos más. Shakespeare, como todo inglés de su época que se preciara, era un pirata – en este caso dramático. Y atreverse con él exige conocer bien el código de honor de la piratería, pero sobre todo exige saber sortear a los sheriffs del orden establecido.

Luego también se puede ignorar todo lo anterior e intentar una puesta en escena que nos permita alejarnos de la batalla, o establecerla desde buques grandes y pesados, llenos de cañones tradicionales, con munición de gran calibre.

Pero si hacemos eso, el bajel shakespeariano, ligero y sutil, se habrá esfumado y nuestras balas no podrán alcanzarlo. Hay que hacerse pirata para combatir con un pirata.

Y Álvaro Tato y Helena Pimenta intentaron hacerse piratas. Pero no del todo. Una escenografía muy ecléctica permitió momentos muy brillantes, como el que transcurre en la celda de Malvolio y su conversación con el bufón, y algunos momentos que chocaban con esa figuración tan imaginativa, como la del barquito que intenta navegar sobre los paneles de la escenografía principal, éstos últimos enormemente condicionantes y muy poco bucaneriles. Había una enorme cualidad pictórica en esta parte de la propuesta que una y otra vez anulaba la construcción dramática, aunque visualmente fuera muy efectiva.

También contrastaron algunos momentos de actuación convincentes, como el de José Tomé-Sir Toby, y otros inverosímiles como el de José Tomé-Orsino, curiosamente hechos por el mismo actor. Y la necesidad de utilizar a Sacha Tomé-Sebastián por parecido físico, cuando no fue capaz de generar un personaje, lo cual contrastaba enormemente con el ímpetu algo aleatorio pero eficaz de su supuesto doble Haizea Baiges-Viola-Cesáreo.

"Por eso, la obra se transformó para mí en un ejercicio constante de entrar y salir a ese mundo de enredo y encuentros amorosos imposibles."

Por eso, la obra se transformó para mí en un ejercicio constante de entrar y salir a ese mundo de enredo y encuentros amorosos imposibles. Entraba cuando Rafa Castejón-Malvolio-Antonio se contenía y a la vez enloquecía, pero salía cuando el slap-stick de Sir Toby y Patxi Pérez-Sir Andrew se hacía excesivamente hacia el público, aunque esto fue desapareciendo para volverse más equilibrado a medida que avanzaba la obra. Entraba de nuevo con la conspiración defendida con oficio por parte de Victoria Salvador-María. Y entraba y salía alternativamente según Carmen del Valle-Olivia iba ganando o perdiendo batallas contra la intensidad y su reverso oscuro, la sobreactuación. Comentaba con mi acompañante al salir definitivamente (o sea, al final), lo difícil que es hacer un mundo verosímil con una obra de Shakespeare. Por todos esos alguaciles de los que escribía al principio de esta crónica. En Gran Bretaña, la Royal Shakespeare Company los esquiva a base de intensidades altísimas, algunos golpes de gracia, y movimientos claros y escenografías esquemáticas y sin pretensiones más allá de la de servir a la escena. No es el colmo de la vanguardia, pero es enormemente efectivo a la hora de hacer un planteamiento coherente que redunde en una realidad escénica verosímil. Es el camino de los herederos del Pirata, que están más dedicados a mantener el botín obtenido que a seguir surcando los mares en busca de otros tesoros. El otro camino, el del desafío, está por explorar aún. Nosotros nos quedamos a medias en esta producción, entre el conservadurismo del teatro efectista y los destellos abundantes de ingenio. Quisimos ser piratas, pero majetes. Y no funcionó del todo, aunque sí lo hizo a ratos.

"... Estuvimos al borde de una poética durante algunos ratos. Rozándola con los ojos en la ya mencionada escena de la celda, y muy alejados en el número final. Cuando no era así, al menos nos quedaba el ingenio del Agitalanza en sus textos, especialmente en el bufón Feste-David Soto. "

Estuvimos al borde de una poética durante algunos ratos. Rozándola con los ojos en la ya mencionada escena de la celda, y muy alejados en el número final. Cuando no era así, al menos nos quedaba el ingenio del Agitalanza en sus textos, especialmente en el bufón Feste-David Soto, que me alegró la velada más que ningun@. Lástima, a ese respecto, que el bufón sólo abufonara la voz y la intensidad, porque uno no nace guapo y bienpeinao para acabar de bufón. O sea, a mí me hubiera gustado algo de transformación física, y lo digo porque era algo obviamente al alcance de su talento, y quizá hubiera profundizado en ese personaje aparentemente tonto y normalmente algo contrahecho que esconde dentro un tesoro, y es, por tanto, una contradicción con patas. Y ahora que lo pienso, esta ha sido la señal de la obra. Más transformación hubiera abierto un camino más interesante. Es decir, algo más de riesgo hubiera resultado en un verdadero asalto al reino del Gran Pirata y el botín consiguiente. Seguiremos navegando.